Carlos Blanco Artero, Tauromaquia , 2014. Óleo sobre lienzo, 200 x 180 cm.
Breves reflexiones sobre el mundo del arte contemporáneo
El siglo XX fue rico en múltiples movimientos, tendencias y expresiones artísticas, entre las que es imposible no mencionar el cubismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo, el arte pop, el arte conceptual y el minimalismo. En comparación, el siglo XXI todavía se muestra desprovisto de cualquier forma de corriente artística significativa, ya que, después del mítico Andy Warhol, los artistas han pensado bien en desconfiar de grupos de unas pocas autodeclaradas élites, prefiriendo una orientación predominantemente conceptual. , capaz de aunar incluso prácticas fundamentalmente diferentes. En todo caso, con todas sus peculiaridades, las manifestaciones artísticas de nuestro tiempo hacen referencia explícita a una "etiqueta" imperante, la de la globalización, fenómeno que ha generado un vasto mundo creativo de difícil clasificación, destinado a girar principalmente en torno al "dios " dinero. Sin embargo, los movimientos más famosos del siglo XX continúan encantando el mundo del arte contemporáneo, dentro del cual los artistas a menudo reinterpretan rasgos estilísticos del mismo, que hasta el día de hoy se utilizan para clasificar las mismas obras de arte. En este contexto, es imposible no pensar en el cubismo, uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX, que continúa causando revuelo en la investigación artística actual.
Georgi Demirev, Paisaje mágico II , 2022. Acrílico/pastel/lápiz sobre tablero MDF, 63 x 79 cm.
Maria Tuzhilkina, Kiwi fresco , 2022. Acrílico sobre lienzo de lino, 50 x 50 cm.
Breve historia del cubismo
«El hecho de que durante mucho tiempo no se haya entendido el cubismo y que aún hoy haya gente que no pueda ver nada en él, no significa nada. No leo inglés, un libro en inglés es un libro en blanco para mí. Esto no significa que el idioma inglés no exista. ¿Por qué debería culpar a nadie más que a mí mismo si no puedo entender de lo que no sé nada?»
Las icónicas, profundas y decisivas palabras de Pablo Picasso son perfectas para introducirnos en el concepto de cubismo, un movimiento artístico basado principalmente en tres ingredientes: la geometría, la simultaneidad de múltiples visiones y la voluntad de plasmar la "cuarta dimensión". Todos estos componentes se combinan para generar una visión del mundo sin precedentes, ya que el cubismo es, para todos los efectos, un tipo particular de "realismo". Es posible explicar lo dicho dando un ejemplo concreto: la boca de cualquier jarrón resulta ser explícitamente redonda para el ojo, pero, para capturarla dentro de una representación gráfica en perspectiva, a menudo se hace como si fuera eran ovalados. El cubismo, por otro lado, lo representaría como un círculo, devolviéndolo a su esencia más simple pero real. Pero, ¿cómo surgió esta forma de "revelación" de la naturaleza más original de las cosas? En 1907, el pintor francés Georges Braque, al visitar el estudio de su amigo Pablo Picasso, situado en el icónico barrio de Montmartre (París), quedó literalmente abrumado al ver una de las mayores obras maestras del maestro español, Les Demoiselles d'Avignon (1907 ). Precisamente en las peculiaridades de este lienzo monumental, marcado por planos geométricos fracturados, rostros en forma de máscara y cuerpos angulosos, se pueden rastrear los orígenes del movimiento cubista. De hecho, a partir de esta visión, la pintura de Braque tomó un nuevo rumbo, que lo llevó a crear unos paisajes "descompuestos", que el crítico de arte Louis Vauxcelles definió como hechos a partir de patrones geométricos en forma de cubo. Las últimas palabras, acreditadas como el primer uso del término cubos para describir este estilo de pintura, son probablemente las responsables del nacimiento del término cubismo.
Eugene Ivanov, Bodegón azul , 2020. Óleo sobre lienzo, 60 x 60 cm.
Jean Mirre, El diario cubista después de Juan Gris , 2021. Óleo/lápiz sobre papel, 30 x 21 cm.
Las diferentes fases del cubismo
La primera era del movimiento, ubicada entre c. 1907 y 1912, se conoce como cubismo analítico, un enfoque creativo destinado a representar representaciones de un mismo tema desde varios puntos de vista a la vez, en el que se crea un efecto fracturado y multidimensional que se expresa a través de una paleta limitada de colores. Más tarde, y más concretamente a partir de 1912, se afianza la fase del Cubismo Sintético, durante la cual Picasso y Braque comienzan a incorporar palabras a la pintura, con la intención de evolucionar hacia los elementos de collages con personajes de colores vivos como tema. El cubismo órfico, por su parte, es un movimiento derivado de los anteriores, que, bien expresado por la obra del colectivo Puteaux Group, formado en 1913 por el pintor francés Jacques Villon y su hermano Raymond Duchamp-Villon, abrazó aún más vivamente matices y mayor abstracción. Finalmente, con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial, el cubismo sufrió un arresto como movimiento organizado, en parte porque muchos de sus miembros, incluidos Braque, Lhote, de La Fresnaye y Léger, fueron llamados al servicio militar. No obstante, hacia 1917 los rasgos estilísticos del movimiento reaparecen en algunas obras de Picasso, como Los tres músicos (1921) y La mujer que llora (1937), y en varias obras de Braque.
Konrad Ziolkowski, Grogis , 2019. Escultura en metal, 30 x 20 x 36 cm / 8,00 kg.
El cubismo en las obras de arte de Artmajeur
Tal como se anticipó, el cubismo resulta ser una de las vanguardias del siglo XX que ha tenido más éxito en el siglo XXI, un hecho que también se encuentra en gran parte en la base de datos de Artmajeur, donde hay múltiples obras de arte en línea con el rasgos estilísticos del mencionado movimiento. Perfectos para ejemplificar tal popularidad son las pinturas y esculturas de Aket, Martine Camors y Corinne Raynal, que están fuertemente marcadas por la geometría, la simultaneidad de múltiples visiones y el deseo de representar la "cuarta dimensión".
Aket, piano piano , 2022. Acrílico sobre lienzo, 61 x 50 cm.
Aket: Piano piano
La pintura de Aket, que representa a un pianista reunido en el apogeo de su ímpetu creativo, interpreta, de forma totalmente original e innovadora, los rasgos estilísticos del cubismo, que se concentran, en particular, en los rasgos somáticos, el cabello y la representación en perspectiva de la pipa de la efigie. Además, el cromatismo deslucido y escaso, reducido exclusivamente a tonos violetas, grises y negros, con algunos toques de amarillo, muy probablemente se hace eco de la más pura intención del Cubismo Sintético, es decir, utilizar una gama cromática estrecha para para evitar elementos perturbadores para el artista y el espectador, cuyo objetivo es analizar e investigar la representación del dato real. Por otro lado, en cuanto al tema abordado, resulta ser un “culto” al movimiento cubista, pues ya fue abordado por el gran maestro Picasso en el conocido cuadro titulado Los tres músicos (1921).
Martine Camors, Têtê à têtê, 2010. Escultura en bronce, 45 x 30 x 12 cm / 9,50 kg.
Martine Camors: Têtê à têtê
La escultura de bronce de Martine Camors representa un medio busto "descompuesto", "fragmentado" y extremadamente geométrico de una mujer oculta detrás de una "máscara". De hecho, el rostro de la efigie recuerda al de las protagonistas de Les Demoiselles d'Avignon, una obra maestra que ejecutó Picasso al tiempo que hace referencia a las costumbres de la tradición africana. Además, el artista español heredó de este último la inmediatez, la sencillez y la síntesis de las formas, muchas veces construidas mediante el uso de figuras geométricas. Volviendo a la escultura del artista de Artmajeur, también nos remite a la obra de otros maestros reconocidos, como Alexander Archipenko, un gran ejemplo de la manera de descomponer el rostro humano, y Henri Laurens, un referente. por el lenguaje geométrico. En particular, es posible comparar Têtê à têtê con dos obras maestras de los artistas antes mencionados, Head - Self-Portrait (1913) y Femme au Compotier (1920).
Corinne Raynal, Sylvie, 2019. Óleo sobre lienzo de lino, 80 x 80 cm.
Corinne Raynal: Silvia
La pintura al óleo de Corinne Raynal encaja perfectamente en los rasgos estilísticos, colores y temas investigados por el cubismo, ya que la obra, creada a través de nítidas secciones de color, recuerda, aunque de forma muy original, a los icónicos Dos desnudos de Jean Metzinger. En la última pintura, similar a Sylvie en tema y "paleta", el maestro francés inmortalizó el cuerpo humano, los árboles y las rocas exactamente de la misma manera. Siguiendo su ejemplo, el artista de Artmajeur representó a la protagonista de su obra sumergiéndola en un fondo en el que ella misma se funde como un camaleón. Finalmente, vale la pena destacar cómo la obra maestra de Metzinger también es legendaria porque fue exhibida en la primera manifestación cubista de la historia, a saber, el Salon des Indépendants de París de 1911, evento que consagró el movimiento al gran público. En consecuencia, la obra de Corinne Raynal, afín a Two Nudes, podría representar un hipotético nuevo "manifiesto" del cubismo contemporáneo, fruto de la fusión de tradición e innovación.
Olimpia Gaia Martinelli
