Nacido en Medellín, Colombia, en 1932, Fernando Botero es uno de los artistas vivos más reconocidos de nuestro tiempo.
Con sus primeras pinturas y dibujos inspirados en los grabados de Gustave Doré de la Divina Comedia, y carteles de corridas de toros, Botero celebró su primera exposición en Bogotá, Colombia, en 1951, y en 1952 obtuvo el segundo puesto en el «Salón Nacional de Artistas» de Bogotá. Con el dinero de su premio, viajó a Madrid y Florencia, donde estudió a los maestros del Renacimiento y exploró el volumen y la perspectiva. Con un estilo inmediatamente reconocido y celebrado, Botero ha mantenido a lo largo de su carrera la esencia de elementos colombianos y latinoamericanos en su creación.
Conocido por su estilo distintivo y su exploración con el color y el volumen exagerado, el Boterismo de Fernando Botero redefinió en solitario la belleza utilizando formas sensuales y voluptuosas y una noción pionera de la estética, hasta el punto de que su obra ha sido reconocida más allá de las fronteras culturales y geográficas, lejos de su ciudad natal en Colombia.
Aunque su temática siempre ha sido local, su lenguaje artístico universal es lo que le ha impulsado al éxito mundial. Con más de 50 años de carrera y exposiciones en todo el mundo, Fernando Botero es un artista vivo emblemático de nuestro tiempo. El maestro Fernando Botero cumplió 91 años este año y sigue creando obras de arte activamente.
Fernando Botero: El Maestro se expone en el Jardín del 7 de octubre al 31 de marzo. La exposición es una colaboración con el Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA) de Long Beach, California, dedicado al arte latinoamericano y latinoamericano moderno y contemporáneo.
Sumérgete en la obra de Botero y aprende más sobre su vida con una sesión de preguntas y respuestas dirigida por la conservadora jefe del MOLAA, Gabriela Urtiaga.
Q. Para empezar nuestra conversación, me gustaría que nos presentaras tu proceso creativo: tus principales temas de investigación, tus inquietudes, que evidentemente te han acompañado a lo largo de tu maravilloso recorrido artístico.
A. Siempre he dicho que, si eres un verdadero pintor, todo lo que ves es una excusa para pintar. Y es cierto que no tuve ninguna formación profesional en pintura. Pero sentía una enorme pasión por la pintura y el dibujo. Desde que era niño sólo he encontrado verdadero placer en el arte de pintar y dibujar. Y eso es lo que hace que un verdadero artista sea un artista: la pasión y el amor que siente por su oficio y la voluntad de perseguirlo todos los días de su vida.
Una vez tuve una experiencia curiosa al intentar pintar a un hombre que tenía delante: Fui a un mercado y empecé a pintar a alguien. Pero el hombre se dio cuenta de que le estaba pintando. De repente, vino y rompió la sábana; así fue como aprendí que no se podía pintar con un modelo de esa manera. No podría estar mirando a alguien y pintándole porque eso podría molestarle. Arrancó la sábana y eso fue todo.
Después de eso, nunca jamás he pintado con un modelo delante. En ninguna de mis obras. Son huellas de mi memoria. Por tanto, si no necesito un modelo delante, está claro que no lo necesito para pintar una casa o para pintar el tejado de barro; todo es de memoria. Puedo expresar con la ayuda de mi memoria todos esos ambientes y personajes, toda la cultura «paisa» en la que viví durante 20 años. Eso permanece dentro de ti. Allí fue donde aprendí a vivir, porque aprendí a moverme entre todas esas cosas, entre todos esos objetos, y esas calles y palmeras… es toda esa atmósfera maravillosa que permanece en lo más profundo de tu memoria.
Q. Me interesa profundizar en la concepción de tu obra, en tu profundo interés por el vínculo entre el arte y la vida. ¿Cuál es la relación que estableces entre el arte y la realidad? ¿Encuentras un componente utópico en tu trabajo?
A.
Me interesa expresar la manifestación del volumen en el arte. Empecé a pintar estas figuras volumétricas cuando tenía 17 años. Todavía hay acuarelas de mis obras más tempranas que puedes encontrar en catálogos que tienen una desproporción particular de la forma. Pero no sabía por qué lo hacía. Lo hice por intuición… porque me decía algo. Luego, por supuesto, cuando estuve en Europa, especialmente en Italia, racionalicé la importancia del volumen porque vi que todos los pintores italianos como Miguel Ángel, Rafael, Giotto, Masaccio, Piero della Francesca hacían una celebración del volumen. Hay un gran uso del volumen, sobre todo en la pintura italiana, que es volumétrica. Y lo hacían para exaltar la sensualidad del tema, para exaltar la forma y el color; todo en esos cuadros era una celebración. Porque el arte es siempre una exageración; el pintor exagera el color o la forma o exagera la línea. Siempre hay una exageración.
Q. Según tu idea de que el arte debe generar más optimismo y belleza, ¿qué mensaje deseas compartir y dejar a tu público?
A.
Siempre he dicho: «Lo que consigues en la vida, está en función de tus admiraciones». Lo más importante en la vida es a quién admiras, Si quieres ser artista, siempre admira a esos grandes artistas que te inspiran y te empujan a ser mejor persona, mejor artista y a seguir aprendiendo constantemente cada día.
